Sandro Botticelli: Nașterea lui Venus (cca 1485)

0
388
blank

Nașterea lui Venus (italiană: Nascita di Venere) este un tablou al lui Sandro Botticelli, realizat la mijlocul anilor ’80. Ea descrie zeița Venus venind la țărm după nașterea ei, când a ieșit din mare.[1] Pictura este în galeria Uffizi din Florența, Italia. Pictura este în mod inevitabil discutată cu alte picturi mitologice foarte apreciate ale lui Botticelli, cum ar fi Primavera, de asemenea în Uffizi. Acestea sunt printre cele mai faimoase picturi din lume și icoane ale Renașterii italiene.

Ca reprezentări ale subiecților din mitologia clasică pe o scară foarte largă, picturile erau practic fără precedent în arta occidentală încă din antichitatea clasică, precum și dimensiunea și proeminența unei figuri feminine nude. Se credea că ambele au fost comandate de același membru al familiei Medici, dar acest lucru este acum incert.[2]

Ele au fost analizate fără sfârșit de către istoricii de artă, temele principale fiind: emularea pictorilor antice și contextul sărbătorilor de nuntă (în general convenite), influența neo-platonismului renascentist (oarecum controversată) și identitatea comisarilor. În timp ce în pictura există subtilități, înțelesul său principal este un tratament simplu, chiar individual, al unei scene tradiționale din mitologia greacă, iar recursul său este senzorial și foarte accesibil, de aici și popularitatea sa enormă.

În centru, zeița nou-născută Venus este goala într-o carapace de scoica (simbol care se regăsește în lucrarea de licența). Dimensiunea sa este pur imaginară și se găsește și în reprezentările clasice ale subiectului. La stânga, zeul vântului Zephyr suflă spre ea, cu vântul redat de linii care radiază din gură. El este în aer și poartă o femeie tânără, care suflă, dar mai puțin forțată. Probabil că Vasari a identificat-o drept „Aura”, personificând o briză mai ușoară. Eforturile lor comune suflă Venus spre țărm și suflă părul și hainele celorlalte figuri la dreapta.

În dreapta, o figură feminină care poate pluti ușor deasupra solului are o mantie bogată sau o rochie bogată pentru a acoperi Venus când ajunge pe mal, așa cum este pe punctul de a o face. Ea este una dintre cele trei Horae sau Ore, zeițe grecești minore ale anotimpurilor și ale altor diviziuni de timp și însoțitori ai lui Venus. Decorul floral al rochiei ei sugerează că este Hora de primăvară.

Identificarea alternativă pentru cele două figuri secundare feminine implică și cele găsite în Primavera; Nimfa deținută de Zephyr poate fi Chloris, o nimfă de flori pe care a căsătorit-o în unele versiuni ale povestirii ei, iar figura de pe pământ poate fi Flora. Flora este în general echivalentul roman al Chlorilor greci; În Primavera, Chloris este transformată în figura Florei alături de ea, dar este greu de văzut că o astfel de transformare este prevăzută aici. Cu toate acestea, trandafirii aruncați împreună cu cele două figuri zburătoare ar fi potrivite pentru Chloris.

Pictura are dimensiuni mari, dar este puțin mai mică decât Primavera, iar în cazul în care aceasta este o pictură în panouri, aceasta este pe suportul mai ieftin al pânzei. Pictura este pe două piese de pânză, cusute împreună înainte de a începe, cu un albastru gesso.

Există diferențe față de tehnica obișnuită a lui Botticelli, care lucrează pe suporturi de panouri, cum ar fi lipsa unui prim strat verde. Hora avea inițial sandale clasice iar gulerul de pe mantaua pe care o ridică este o retușare ulterioară. Părul lui Venus și tânărul zburător au fost schimbate. Există o utilizare intensă a auriului ca pigment pentru evidențierea părului, a aripilor, a textilelor, a cochiliei și a peisajului. Acest lucru a apărut aparent după ce sa încadrat pictura.

Ca și în Primavera, pigmentul verde folosit pentru aripile lui Zephyr și tovarășul său și frunzele copacilor portocalii pe pământ s-au întunecat considerabil cu expunerea la lumină în timp, distorsionând oarecum echilibrul coloristic dorit. Părțile unor frunze din colțul din dreapta sus, în mod normal acoperite de cadru, au fost mai puțin afectate. Albastrul mării și al cerului și-au pierdut strălucirea.

Deși poziția lui Venus este clasică în anumite privințe și împrumută poziția mâinilor de la genul sculpturilor greco-romane, tratamentul general al figurii, stând în afara centrului cu un corp curbat, linii lungi de curgere, este în multe privințe din arta gotică.

Corpul lui Venus este asimetric din punct de vedere anatomic, având gâtul și brațele alungite. Poziția ei este imposibilă: deși staționează într-o poziție contrapposto clasică, greutatea ei este deplasată prea mult peste piciorul stâng. Proporțiile și pozițiile vânturilor spre stânga nu au nici un sens și nici una dintre figuri nu aruncă umbre. Pictura descrie lumea imaginației mai degrabă decât a fi foarte preocupată de imaginea realistă.[3]

Arta lui Botticelli nu a fost niciodată pe deplin dedicată naturalismului în comparație cu contemporanul său Domenico Ghirlandaio, Botticelli rareori a dat greutate și volum figurilor sale și rareori a folosit un spațiu profund prospectiv. Botticelli nu a pictat niciodată fundaluri de peisaj cu mare detaliu sau realism.

Deși există texte vechi și moderne care sunt relevante, niciun text nu oferă imaginea exactă a picturii, care i-a determinat pe cercetători să propună mai multe surse și interpretări. Mulți istorici de artă specializați în Renașterea italiană au găsit interpretări neoplatonice, dintre care două versiuni diferite au fost articulate de Edgar Wind și Ernst Gombrich care ar fi cheia înțelegerii picturii. Botticelli a reprezentat ideea Neoplatonică a iubirii divine sub forma unei Venus nud.

Pentru Platon – și așa mai departe pentru membrii Academiei Platonice Florentine – Venus avea două aspecte: era o zeiță pământească care a trezit oamenii la iubire fizică sau a fost o zeița cereasca care a inspirat dragostea intelectuală. În plus, Platon a susținut că contemplarea frumuseții fizice a permis minții să înțeleagă mai bine frumusețea spirituală.

Așadar, uitându-se la Venus, cea mai frumoasă dintre zeițe, ar fi putut, la început, să ridice un răspuns fizic la spectatori, care apoi și-au ridicat mințile spre cei evlavioși. O lectură neoplatonică a nașterii lui Venus sugerează că spectatorii din secolul al XV-lea ar fi privit pictura și ar fi simțit mințile lor ridicate în domeniul iubirii divine.

Lăstarii de la cununa de laur, purtați de Hora, se referă la numele „Lorenzo”, deși nu se știe dacă Lorenzo il Magnifico, conducătorul efectiv al Florenței sau tânărul său văr Lorenzo di Pierfrancesco. În același fel, florile din aerul din jurul lui Zephyr și pe textilele purtate și purtate de Hora evocă numele Florenței.

[1] Gombrich, Ernst H., Istoria Artei, Editura ART, București, 2012.
[2] Newhall, Beaumont, History of Photography, The Museum of Modern Art, New York, 1994.
[3] Frutiger, Adrian, Signs and Symbols. Their Design and Meaning, Dreieich West Germany, Van Nostrand Reinhold,1989.

LĂSAȚI UN MESAJ

Vă rugăm să introduceți comentariul dvs.!
Introduceți aici numele dvs.